Historia de la radio

El hombre tenía muchas formas de comunicarse, por medio de: cartas, postales, telégrafos, etc. Pero dicha comunicación aun era limitada para algunas personas que no se encontraban en los lugares donde tenía alcance. Fue cuando se pensó y comenzó a diseñar un medio que pudiera ser accesado cuando se necesitara y desde donde se encontrara la persona, como lo era en esta ocasión: la radio.

En ocasiones se considera que el surgimiento de la radio se dio en el siglo XX por Guillermo Marconi, cuando el mismo descubrió la comunicación inalámbrica por medio del telégrafo. Su idea principal era poder transmitir a personas a distancia: voz, música, etc.

En realidad el surgimiento de la radio se da de manera simultánea en varios países, por esta razón es difícil decidir o dar la patente al verdadero inventor de esta.

Faraday no creía en la posibilidad de poder comunicarse a distancia sin ningún cable,  pero al descubrir una nueva forma de batería, pudo notar que la electricidad se disparaba como si fuesen partículas discretas.

Posteriormente Maxwell retomo lo descubierto antes por Faraday, solo que treinta años después y traducido al lenguaje matemático, obteniendo de dichas ideas lo más relevante.

Más adelante Heinrich Hertz en 1887, comprobó la teórica de Maxwell, estudiando las ondas electromagnéticas, y se arriesgo a realizar la primera transmisión sin conexiones. Por lo que más adelante se le denominaron a estas ondas hertzianas.

Esto permitió la posibilidad de producir ondas eléctricas desde lugares lejanos y ser recibidos.

Sin embargo no tuve resultados practicos inmediatos, ya que el resonador encargado de llevar las ondas solo funcionaba cerca del aparato que las hacía.

Para esto se creo una antena, para poder sostener un hilo metálico que se encargaba de que las transmisiones tuvieran una mejor y mayor recepción.

En 1985 Marconi realizo una serie de experimentos que le dieron como nombre “inventor de la radiocomunicación”. Conforme avanzaba el tiempo la calidad de las transmisiones fueron mejorando su calidad, y se le reconoció como telegrafía inalámbrica.

Con respecto a México, Constantino de Tarnava se le conoce como el inventor de la radio en México. En 1919 instala la primera estación, y en 1921 inaugura la emisora conocida como XEH.

Hoy en día estas técnicas de transmisión han mejorado debido a que cada vez es más la demanda de información y el querer saber lo que pasa en el mundo. Cada día se nos ofrecen más posibilidades para obtener las noticias o acontecimientos que deseamos saber.

La radio por internet fue desarrollada por Carl Malumuden 1993, y el primer programa fue “internet Talk radio”.

 

 

 

 

 

 

Conceptos

Comunicación sincrónica: Es aquella que se establece comunicación entre dos o más personas de manera simultánea en el mismo tiempo y en lugar, es decir en coicidencia en el tiempo.

Comunicación asincrónica: Es aquella que se establece entre dos o más personas de manera diferida en el tiempo, esto es, cuando no existe coincidencia temporal.

Sonido: cualquier fenómeno que involucre la propagación en forma de ondas elásticas audibles o casi audibles, generalmente a través de un fluido que este generando movimiento vibratorio de un cuerpo. El sonido humanamente audible consiste en  ondas sonoras consistentes en oscilaciones de la presión del aire, que son convertidas en ondas mecánicas en el oído humano y percibidas por el cerebro.

Radio en internet:

Hoy en día mirar video, escuchar música o escuchar una radio por Internet es cada vez más común y esta tendencia, la deben de tener en cuenta todas las estaciones de radio y todos los radio aficionados.

Emitir por Internet la señal de una estación de radio local o amateur, permite entre otras cosas:

• Mejorar la imagen de su estación de radio.
• Alcanzar mayor cantidad de oyentes locales e internacionales, aumentando sus posibilidades de ganancias mediante publicidad
• Expresar su arte musical y/o pensamientos de forma libre

Audio digital: El audio digital es la codificación digital de una señal eléctrica que representa una onda sonora. Consiste en una secuencia de números binarios y se obtiene del muestreo y cuantificación digital de la señal eléctrica posteriormente se puede codificar o comprimir, dando lugar a formatos más compactos.

Diseño sonoro: El diseño sonoro es una frase empleada para denominar principalmente la elaboración de soundtracks para audiovisual, sea cine, tv, web-streaming y también la ilustraciòn sonora para radio.

Onda sonora: Una onda sonora es una variación local de la densidad o presión de un medio continuo, que se transmite de unas partes a otras del medio en forma de onda longitudinal periódica o cuasiperiódica.

 

 

Crítica del curso

Este curso a mi punto de vista fue dinámico tal y como lo esperaba. Se vio tanto teoria como practica, y pienso que fueron combinadas de una forma que se complementaron la una a la otra.

Porque no solo vimos biografias de autores, sino que vimos sus trabajos y considero que eso me ayuda a ya tener un idea y diferenciar los tipos de fotografia, asi como formarme mi propio criterio sobre los contenidos de estas.

De igual forma aprendi lo basico para poder usar una camara profesional reflex, con la que se pueden tomar fotos mucho mejores a las de las cámaras tradicionales. Le dimos el uso, para probar nosotros mismos, para experimentar como principaintes en esta área. Asi conoci mis errores en cuanto a su uso, para poderlos mejorar.

Pude ver también que para hacer foto no solo se necesita una cámara, sino, dedicacion, tener claro lo que deseas transmitir y naturalidad, ya que sin esto nuestra idea cae en lo falso y no se transmite nada.

Me gusto la puntualidad y asistencia del profesor, ya que nunca faltaba y siempre cumplia en sus clases. Asi como el material que utilió para reforzar el conocimiento como los videos con fotografias de los autores vistos, la participación en clase y las mismas fotos tomadas por nosotros.

La critica de una forma respetuosa y constructiva, sin dejar del lado nunca el querer enseñar y aprender.

Fue un curso en realidad del cual estoy satisfecha, pienso que se trabajo bien tanto del profesor como la respuesta de los alumnos.

Cindy Sherman

 

Artista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longo y Prince. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra.

La fotografía de Cindy me parece buena, ya que ella toma solamente autoretratos, donde a mi punto de vista trata de mostrar las diferentes caras de la mujer, y los roles que juega esta en la sociedad, que más que nada son roles que la misma sociedad le ha impuesto y los sigue de esa forma. Así es como ella en pocas palabras representa a la mujer en la sociedad.

 

 

Juan Nicéforo Niepce

Joseph-Nicéphore Niépce fue un terrateniente francés, químico, litógrafo y científico aficionado que inventó, junto a su hermano, un motor para barcos y, junto a Daguerre, la fotografía.

Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación.

Un par de años después, ya en 1818, obtiene imágenes directamente en positivo, sacrificando de este modo las posibilidades de reproducción de las imágenes, por ser las obtenidas imágenes únicas.

Necesitó 8 horas de tiempo de exposición de la placa a la luz. Para realizar esta fotografía utilizo una plancha de peltre recubierta de betún de Judea, exponiendo la plancha a la luz quedando la imagen invisible; las partes del barniz afectadas por la luz se volvían insolubles o solubles, dependiendo de la luz recibida. Después de la exposición la placa se bañaba en un disolvente de aceite esencial de lavanda y de aceite de petróleo blanco, disgregándose las partes de barniz no afectadas por la luz. Se lavaba con agua pudiendo apreciar la imagen compuesta por la capa de betún para los claros y las sombras por la superficie de la placa plateada.

En vista de que no resolvió la cuestión de la fijación de las imágenes, ya que las mismas perdían nitidez rápidamente con el paso del tiempo hasta resultar invisibles, no se le considera el único inventor de la fotografía, asociándose por ello su nombre al de Daguerre, quien incorporó al procedimiento la utilización del yoduro de plata y el vapor de mercurio.

A través de los ópticos Chevalier, Niépce entró en contacto con Daguerre con quien firmó un contrato de constitución de una sociedad, el día 14 de diciembre de 1829, para el desarrollo y comercialización del invento.

 

Andres Serrano

 

Andres Serrano es un fotógrafo estadounidense que se ha convertido en uno de los más notorios a través de sus fotografías de cadáveres, además de su polémico trabajo "Piss Christ", una fotografía de un crucifijo sumergido en un vaso con la orina del propio artista.

La obra de Serrano como fotógrafo suele ser en forma de ampliaciones de 0.5 por 0.8 m, producidas con técnicas fotográficas convencionales (sin manipulación digital). Ha tratado un vasto conjunto de temáticas incluyendo retratos de miembros del Ku Klux Klan, fotos de cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas.

Muchas de las fotografías de Serrano contienen fluidos corporales, tales como sangre (a veces del ciclo menstrual), semen (por ejemplo, "Blood and Semen II" (1990)) o leche materna. Dentro de esta serie hay numerosos trabajos de objetos sumergidos en estos fluidos. El más famoso de ellos es Piss Christ" (1987), un crucifijo de plástico inmerso de un vaso de orina. Esta fotografía causó una gran polémica la primera vez que fue expuesta. Serrano, como otros artistas como Robert Mapplethorpe, se convirtió en una figura atacada por producir arte ofensivo, mientras que otros lo defendieron en nombre de la libertad artística.

La obra "Blood and Semen III" se usó como portada del disco Load de la banda de heavy metal Metallica, mientras que la obra "Piss and Blood" se usó en ReLoad.

 

Mischa Gordin

Misha Gordin es un fotógrafo ruso nacido en 1945 dedicado por completo a la fotografía conceptual de una brillante manera. Como él mismo escribe:

Soy el que toma las fotografías de la realidad existente, o creando mi propio mundo, tan verdadero pero no existente. Los resultados de estos dos acercamientos tan opuestos son notablemente diferentes y, en mi opinión, la fotografía conceptual es una forma más alta de expresión artística que pone la fotografía en el nivel de la pintura, de la poesía, de la música y de la escultura. Emplea el talento especial de la visión intuitiva. Traduciendo los conceptos personales en la lengua de la fotografía, reflejando las respuestas posibles a las cuestiones importantes de ser: nacimiento, muerte y vida.

Las fotos de este autor me parecen realmente interesantes, ya que maneja siempre la repeticion, pero aqui  hay una clave, de una manera poco notoria, siempre esta ese algo que quiere salir de lo común de lo tradicional, es decir, romper con ese estereotip o esa linea que todos siguen, una especie de liberacion, una forma de decir yo no soy igual.

Lauren Greenfield

Fotógrafa americana dedicada fundamentalmente al fotoperiodismo y a los documentales. Ha publicado 3 libros con su trabajo además de en una gran variedad de revistas. Su fotografía generalmente muestra la cultura joven de la mujer americana, su identidad, la imagen del cuerpo, con sus desastres alimenticios y la influencia popular de la cultura que en ellas tienen. En su web se pueden ver desde reportajes de niñas que se hacen la liposupción hasta fotografías de centros de belleza, pasando por retratos del mundo de las misses. No veremos nada de pobreza, desolación o malos tratos, sino un mundo donde el poder del dinero tiene un aspecto dominante y donde el lujo, glamour y belleza están a la orden del día.

Esta fotografa me parece que muestra realmente la vida Americana, y la influencia que puede llegar a tener del mismo modo en otras culturas. Se enfoca en una sola cultura, puede ser porque es la de ella o porque es la de mayor influencia en todo el mundo. Solo muestra la realidad como es, lo que la ambición de belleza y dinero puede llegar a causar.

Vida Yovanovich

Vida Yovanovich (1949), ha participado en conferencias, curado varias exposiciones fotográficas, y fue miembro de la junta directiva del consejo mexicano de fotografía. En 1994, a través de Fondo Nacional para la cultura y las artes ella fue artista en residencia en el nexus  contemporary art center en Atlanta, EE.UU. En 1997 fue seleccionada para la presentación de su trabajo en la conferencia anual de s.p.e. en Dallas y en ese mismo año, fue invitada a participar en la Bienal de La Habana. Sus fotografías se han exhibido desde 1983 en más de 90 exposiciones colectivas por todo el mundo. Ella ha tenido exposiciones individuales en Cuba, Austria, Serbia, Francia, Estados Unidos, España, Sudáfrica y México. Ella ha sido profesora particular del FONCA, en su programa para fotógrafos jóvenes y miembro de su comité consultivo en fotografía. Su libro, “Cárcel de los Sueños”, con introducción escrita por Elena Poniatowska, fue publicado en 1997. En el año 2000, fue nombrada becaria de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation y desde 2001, ella es miembro del sistema nacional de creadores. Algunos de sus reconocimientos incluyen: primer premio. "Mujeres creadoras de la imagen", Bienal de Guadalajara; "Proyectos Especiales". Consejo mexicano para la cultura y las artes; "Beca de Ensayo" del Instituto nacional de bellas artes , México; mención honorífica premio Casa de las Americas, Cuba; segundo premio. " salón internacional",Asturias, España; primer premio. "Fotografía antropológica", INAH, México.

La motivación de Vida Yovanovich al emprender este cuerpo de trabajo ha sido capturar la esencia de individuos que ella ha logrado conocer, iluminar el carácter de su humanidad. Estas imágenes reflejan una relación intensa y de confianza entre el fotógrafo y el sujeto, en la cual la cámara fotográfica se convierte en un testigo notable de un reino que a menudo ha sido exagerado, pero que aún más a menudo, ha sido ignorado.

 

Eugene Atget

Jean Eugène Auguste Atget - 12 febrero 1857, Libourne, Gironda (Francia)- 4 agosto 1927, París - es un fotógrafo francés.

Después de trabajar en diversos oficios como camarero o actor de provincias, se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulante. Para subsistir se dedica a sacar retratos de personas en plena calle; por otro lado, empieza a crear una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes.

Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria.

En Estados Unidos esta considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80.

"No incluyan mi nombre, la fotografia que tomo son simples documentos".

 

David Nebreda

Licenciado en Bellas Artes. A los 19 años los médicos le diagnosticaron esquizofrenia. Vive encerrado en un piso de Madrid con apenas dos habitaciones donde ha realizado la totalidad de su obra fotográfica, sin tomar medicación, sin comunicación con el exterior, sin radio, prensa, libros ni televisión. Vegetariano desde los 20 años, practica la abstinencia sexual, y se somete a severos ayunos que le mantinen un estado de delgadez extrema.

Su obra es casi desconocida en España, en Francia ha sido promocionada por gente de la categoría del antes citado Léo Sheer, filósofo crítico y uno de los promotores de Canal + Francia, e incluso ha sido objeto de un artículo de Jean Baudrillard.

El único referente cercano a su obra puede ser la del artista Joel-Peter Witkin, aunque el busca sus modelos en personas ajenas o en cadáveres, no como Nebreda que basa todo su trabajo en su propia persona.

 

Julia Margaret Cameron

 

Fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.

Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo.

Los retratos de Cameron tienen un aspecto flou muy peculiar. Se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico.

Sus foto me parecen un tanto sencillas, pero que reflejan mucho el ser de cada persona fotografiada, tal y como es.

 

Joel Peter Witkin

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas.

Al principio me impresionaron mucho sus fotografias, ya que trabaja con cadáveres, y en sus fotos aparecen cuerpos mutilados. Pero me parecio muy interesante que haga este tipo de fotografia, porque mucha gente aun toma todos estos temas como tabú, y el se da la libertad de hacerlo fotografia y mostrar que simplemente que todo eso también es parte de nosotros.

 

Eugene Smith

William Eugene Smith, reportero fotográfico, nació en Wichita (Kansas) en 1918 y falleció en Tucson (Arizona), en 1978.

Trabajó como corresponsal para la publicación Ziff-Davis, y de nuevo para la revista Life; Smith fotografió la Segunda Guerra Mundial desde las fronteras de las islas americanas, realizando las fotografías de la ofensiva americana contra Japón.

Actualmente, la fundación W. Eugene Smith promueve la "fotografía humanista", que desde 1980 premia a los fotógrafos comprometidos en este campo.

Este autor me parece bueno, ya que toma la fotografia documental como algo que realmente transmite un sentimiento y sensación del momento captado. No solo lo maneja como información.

 

Henry-Cartier Bresson

Henri Cartier-Bresson (22 de agosto 1908 - 2 de agosto 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del foto reportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

Henri me parece de esos fotógrafos que les gusta improvisar, que la foto sea totalmente natural para que tenga una mayor profundidad, ya que se “está captando el momento”, en que realmente esa acción o sentimiento se está llevando a cabo.

 

Oliviero Toscani

Oliviero Toscani (n. 1942, Milán) es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.

Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital.

Oliviero me parece un fotógrafo muy creativo y de cierta forma prudente, ya que trata de plasmar la realidad de una forma tan estética, que hace relacionar su foto con lo que ocurre en nuestra sociedad, y se podría decir una forma de protesta indirecta hacia las injusticias que se cometen.

 

Autoretrato

Autoreflexión

No es la primera vez que hago una reflexión sobre mí, creo que cada día me hago un resumen de mis actos, unos que me importan otros que no, pero siempre hay algo del día que se viene a mi mente.

Algunos días me siento bien por como lo viví otros no tan bien, la verdad no sé si las situaciones hacen mi humor o si mi humor hace las situaciones.

Desde pequeña eh tenido un carácter algo fuerte, soy muy decisiva, simplemente es si o es no. 

A veces me considero una persona muy fuerte, pero de repente me encuentro ante situaciones que duelen mucho, se que todos tenemos nuestro lado sensible y que no todo es fácil pero entonces seré o no seré fuerte? Igual y la definición de fuerte no significa que no duela, sino saber llevarlo contigo, perdonar o superarlo, porque si no, sería orgullo, orgullosa? Sí, tengo un cierto porcentaje de eso en mí, no lo suficiente para considerar que es malo, solo para darme mi lugar cuando es necesario.

Soy un poco lenta en el aspecto de nuevas amistades, ya que para mí no son cualquier cosa, con lenta me refiero a que tardo mucho en confiar en la persona, me cuesta mucho pero una vez entregada mi confianza es difícil deshacerla, no me gusta ser lastimada, a quien sí? Pero aun así me gustaría ser un poco más abierta en ese aspecto, si una persona me daña, que importa, aprenderé de ella y de mi, simplemente aprenderé mas.

Muchas personas me dicen que soy una robot, sin sentimientos, dura, fría, seca; seré difícil para demostrar mis sentimientos pero eso no quiere decir que no sienta, yo no doy abrazos nomas porque si o por caer bien, rio, grito, lloro y siento como cualquier otra persona; acepto que me cuesta demostrarlo pero no acepto que juzguen y me digan que no tengo sentimientos que soy insípida, a veces es porque me gusta estar bien segura y otras no sé porque no puedo; no me gusta caer en lo cursi porque lo cursi no es nada.

Trato de sacarlos en el momento adecuado, pero al igual me da miedo que algún día sea demasiado tarde expresarlos.

Creo que a veces confió demasiado en mi misma que no siento que algo malo me pueda pasar, pero que seré si no confió en mi? Confiar mucho en mi me hace una persona que no es humilde? O que puedo hacer todo lo que me propongo?

Me siento muy buena para hacer todo, pero cuando llega el resultado no es tan bueno como yo lo esperaba, es bueno para mí pero no para los demás, no debo conformarme si solo lo es para mí, pero tampoco tomar mucho en cuenta el que dirán, cosas que se contradicen, hay que saber nivelarlas y eso aun no sé.

Quiero realmente hacer lo que me gusta, no sé como llegare a ello, pero sé que realmente lo quiero, solo espero que mis decisiones malas me lleven a lecciones buenas, y mis decisiones buenas hagan crecer más esa confianza en mí misma.

 

Elementos para hacer una fotografia

• Cámara
• Pelicula
• Soporte
• Luz

Foto a la luna

Para poder lograr una fotografia de la luna llena de octubre se necesita:

• Tripié
• No tener luz alrededor
• Abrir el diafragma F 1.4
• Velocidad en bulbo